Finalmente la película que mas me acabó llamando la atención, por unos motivos o por otros, como fue “Bellflower” es la que ha sido galardonada por el jurado como mejor película del festival y además como mejor guión, premio concedido por la asociación de guionistas vascos. La valoración para esta decisión ha sido por “trasmitir una sensación de naturalidad y realismo a partir del artificio y de ciertos recursos del cine fantástico y de terror”. Haciendo mención especial también a la argentina “Fase 7” por “originalidad de su enfoque para dar otra visión del Apocalipsis”.
El Premio del Jurado al Mejor Cortometraje se ha concedido a “Suiker” de Jeroen Annokkeé; el galardón al Mejor Cortometraje Vasco ha recaído en “She´s lost control” de Haritz Zubillaga. Por su parte el público del festival ha elegido Mejor Cortometraje el trabajo “El Nido” del director vasco, Ander Fernández.
Anoche tocó una de esas experiencias que te dejan para todos los lados y sin saber muy bien si has visto una puta mierda o si te ha encantado. Me recordaba por momento a lo que sentía el año pasado viendo “Rubber” y creo que puede llegar el momento en que algo sea una puta mierda, pero la disfrutes. Pero bueno, tampoco creo que sea el caso… puede ser varias cosas esta “Bellflower”, pero tampoco es una puta mierda.
Tiene la carta blanca de que como ha costado 17.000$ tampoco puedes exigirle grandes cosas, pero esa misma carta blanca de “soy mas Indie que donde los hacen“, tiene el doble filo de que al menos tienes que apuntalar un poco la historia, y no solo las formas “instagrameras” para no tener la sensación de que se esta atragantando la película por larga.
El director y protagonista, Evan Glodell, nos presenta una historia que no tengo yo nada claro cual es su encaje en un festival de cine fantástico, pero si aceptamos barco como animal acuático, entonces hay que decir que tiene mas cabida que la de Zhang Yimou versionando a los Coen del año pasado. Se vende como una historia de amor pre apocalíptica… bueno, eso es poniéndole muchas ganas. Dejémoslo en historia de amor, amistad y paranoias.
El caso es que Aiden y Woodrow son dos cahavales que viven en California sin mas oficio ni beneficio que el de proponerse se los mas duros (o los mas molones) del lugar en caso de que el mundo se fuera a mamar. Para ello se proponen construir un lanzallamas y tunear un coche a lo Mad Max. Esta es la excusa argumental.
Lo que en realidad tenemos es una historia de amor entre Woodrow y Milly. Este par se conoce en un bar, en una competición de comer grillos y comienzan una relación con sus altos y sus muy bajos. A su vez Aiden tontea con Courtney, una de las amigas de Milly y es el que no ceja en su empeño de fabricar el lanzallamas y hacer un coche molón que escupa fuego.
Y poco más que contar realmente. Todo lo que vemos es la evolución de la relación entre Woodrow, Milly, Aideen y Courtney, pero centrados en el personaje de Woodrow y como se le va la olla con sus propias inseguridades, las que le crean los demás, su perdida de norte y la influencia que Aiden ejerce en su vida a pesar de que en principio le conocemos como un colgao tirando a capullo.
Película extraña, barata, con cámaras y filtros a los instagram, y tilshitfs ocasiones, manchas, desenfoques, colores amarillos y demás parafernalia, pero que a pesar de ello, no deja de estar mal del todo, aunque a mi me interesen mas los personajes que los estilos. Se me hizo algo larga, pero no me desagradó. Es raruna, pero me entró moderadamente bien. Vamos ni si, ni no, sino todo lo contrario… mejor la veis y juzgáis no fiándoos mucho de mi.
The Divide viene con el sello de garantía del director francés Xavier Gens, responsable deFrontiersy también de la muy minusvalorada Hitman, que sufrió un trailer horripilante que echaba para atrás cosa mala, pero que luego a mi me sorprendió gratamente, y no es que mi devoción por la Kurylenko nuble mi juicio, y si lo nubla, pues bien nublado está.
Esta vez Gens nos propone un apocalipsis nuclear. No sabemos quien o porqué, pero empezamos con un pepinazo nuclear a base de un misil que impacta en Nueva York, (no siempre va a ser Tokio) y a algunos inquilinos de un bloque les da tiempo a llegar al refugio que tiene el edificio, refugio que tiene medio apañado el conserje del edificio que no es otro que el padre de John Connor, Michael Biehn.
La película no sale prácticamente de ese refugio durante las 2 horas de película y la trama tiene que ver con como ante el apocalipsis se mantienen las mínimas estructuras que nos convierte en una sociedad, o como se derrumban. El paso del tiempo, la desconfianza, un par de hermanos de malas pulgas y poco fiar interpretados por Michael Eklund al que hace nada le vimos en Alcatraz y Milo Ventimiglia que conocemos de la también fallida Heroes.
Para rematar la faena tenemos una pareja con problemas, una Rosanna Arquette que da toda la grima del mundo y un poco mas, y el tarado del conserje. Por si fuera poco, hay cierta amenaza exterior y radiación que va envenenado cuerpos y mentes, haciendo que la situación degenere todo lo posible.
La película sabe crear la tensión y es incomoda de una manera constante en un ambiente pequeño y sin apenas respiro para el espectador, pero a mi personalmente se me ha hecho larga. Casi 2 horas de opresión para mi es mucho y aunque es muy potente visualmente y en lo desagradable que logra ponerse, yo quería que acabara de una vez. Se deja ver, pero con el animo y la predisposicion adecuada, tampoco es la película mas indicada para tener de fondo mientras te echas una siesta de esas de torcerte el cuello como la niña del exorcista.
Película extraña, es poco decir para referirse a esta “Livide”. Película que genera a priori, unas expectativas elevadas, por ser lo siguiente del duo francés Bustillo-Maury después de su acojonantemente buena “A L’intérieur”. Y es lo que pasa con las expectativas, que son un arma de doble filo y mas cuando pasas de un estilo de película a otro diametralmente opuesto. Del brutal y sangriento comportamiento humano a modo de venganza pasas a una segunda película de rollo conceptual en el que no sabemos si estamos viendo costumbrismo pesquero, una de vampiros, una de zombies, una de casa encantadas, de druidas, de gente que vuela, de la zona fantasma, la dimensión desconocida o todo a la vez.
Tenemos un pueblecito de Bretaña donde Lucie esta haciendo unas practicas de enfermera de atención a mayores en sus casa. Una de las personas que conoce es una señora que esta en coma en un viejo caserón sobre el que corren ciertas leyendas o al menos cierta aversión local. Ademas en el pueblo en cuestión hay carteles de gente desaparecida por doquier, pero no parece que importe mucho.
El novio de Lucie es pescador y esta harto de esa vida y quiere largarse de allí, así que no se les ocurre otra cosa a la Lucie, a su hermano, y al novio que ir de noche al viejo caserón a robar un supuesto tesoro de oro y joyas que la señora guarda allí. Y eso es todo lo que se entiende de la película. Luego todo empieza a divagar y desbarrar. A no tener ningún sentido y a ser mas un ejercicio estético que otra cosa.
Puede ser que pretendieran los directores pasarse de profundos y les ha salido el tiro por la culata porque lo que queda este asunto lleno de preguntas sin respuesta, es muy ridículo, desde las transmutación de almas por el método palillero, a las niñas flotantes, pasando por la vieja a lo darth vader y rematandolo con la casa flotante de la zona fantasma en la que solo faltaba algún villano kryptoniano.
Sinceramente, me he aburrido cosa mala. Solo salvo que aparezca la tarada de “A L’intérieur” como madre de Lucie en un momento dado, momento WTF para variar y no desentonar con el tono general. Es “bonita de ver” dentro de lo que cabe y muy cuidada en lo visual, pero no se que cojones me han querido contar y a partir de determinado momento, ya me daba igual. Final lisérgico por no decir directamente propio de Terry Gilliam, casi como todo el tono en general, pero en el peor sentido, en que te pierde por el camino. Tremenda decepción.
“Hobo with a Shotgun” es la segunda película, tras “Machete”, salida de los falsos trailers de la doble sesión Grindhouse que se hicieron Tarantino y Robert Rodriguez con “Death Proof “y “Planet Terror”. Solo que esta vez el protagonista es RutgerHauery por mucho que DaniTrejo se esmere, no puede transmitir las sensaciones que el amigo Rutger transmite con solo mirar a la cámara y marcarse un monologo sobre porque no hay que abrazar a un oso. O_o
Si en “Machete” el mundo era exagerado pero real, aquí parece que estuviéramos en un universo paralelo pero sin Olivia Dunham y sus muñecos (lo leí en twitter y me hizo gracia… soy un plagiador :p)…. Es todo histriónico, exagerado, hipersaturado de color al principio y tan decadente que en un principio me recordó a la “Death Race” original aunque solo fuera por el concepto…. o incluso a ese futuro o espacio paralelo en el que transcurre “La Naranja Mecánica”
Empezamos con nuestro Hobo, que yo no lo sabia pero debe de ser sinónimo o diminutivo de homeless, llegando a una nueva ciudad en el típico tren en el que viajan los vagabundos. Este vagabundo es Rutger Hauer y en la ultima etapa de su vida (que tiene una edad ya el hombre) llega a este ciudad que es donde termina la vía del tren. Esta llegada, si ya de por si fuera poco simbólica, tiene el componente del uso extremo del color y de la saturación, rojo muy rojo, azul muy azul, hasta el punto de casi molestar, pero pasa enseguida.
Nuestro entrañable Hobo, se encuentra entonces con una ciudad totalmente ida de la olla. Ciudad sin ley y sin cordura, hiperviolenta y decadente y en manos de un malo maloso, The Drake y sus 2 hijos, que son literalmente los dueños de la ciudad. Vemos de todo, gente pagando a a otra gente para poder grabarles pegandoles y haciéndoles comer cristales por ejemplo, pederastas vestidos de papa noel que secuestran niños, punkis reventando cabezas y matando gente con los autos de choque, chicas en bragas machacando a una piñata humana con bastes de beisbol, vemos bates de beisbol con cuchillas, policías violadores, chicas en bikini blanco y embadurandose y refrotandose con la sangre que brota de un recién decapitado, etc.
Todo esto es lo que encuentra Hobo allí, pero también a una joven prostituta, Abby, a la que salva de un muerte probable a manos del hijo mas psicópata de Drake y con la que establece una relación de amistad y cariño que parece devolverle al Hobo (no recuerdo que tuviera un nombre) un poco la sangre a las venas y que en ultima instancia es lo que hace que este coja una escopeta y monte el pollo. Y de eso va la peli, del momento en que se le cruza el cable durante un atraco, donde se agencia una escopeta y mata a los atracadores y se convierte en el Hobo with a Shotgun, que va limpiando las calles y repartiendo justicia one shell at a time.
Desde ese momento la peli entra en un frenesí delicioso de muerte, violencia y venganza, pero luego para mi pega un ligero bajón y me hizo preguntarme porque no harán estas cosas de una hora en vez de hora y media…. sera que me he hecho mucho al formato serie, pero hay historias que encajarían mejor, algo mas comprimidas. De todas formas enseguida vuelve a retomar el rumbo con el tema de los 2 hijos de Drake, el monologo frente a los bebes y desde ahí al enfrentamiento final con “La Plaga” que son 2 cazarecompensas enfundados en hierro que son una ida de la olla total, arrastrando un ataúd atada a sus motos, pero que me resultaron totalmente entrañables.
La recomiendo totalmente y es que Rutger Hauer es un grande entre grandes y aquí esta inmenso, al igual que estaba inmenso solo saliendo en pantalla en “El Rito”. La película es él y directamente tras verla, no os digo mas que me fui al ordenador y me baje y adquirí “Carretera al infierno” que fue una película que me dejó clavado a la butaca en el cine, que vi con mis buenos 11 añitos (la culpa es de los padres siempre) y que se me quedó grabada a fuego como una angustia constante y que me hizo fan total de Rutger Hauer para siempre. Que queda muy bien el rollo gafapasta con Roy Batty y las lagrimas en la lluvia, pero para mi Rutger Hauer empezó a existir cuando su constancia y mala leche me hicieron pasar un rato malo malo (y bueno bueno) haciendo de aquel autoestopista casi inmortal.
Anoche se proyectó en el FANT (festival de cine fantástico de Bilbao) la película “Devoured” con la presencia de la protagonista Marta Milans, y del director Greg Olliver, ya que oficialmente ayer fue el estreno mundial de la película, compitiendo en la sección oficial de esta edición del FANT.
La película nos cuenta la historia de Lourdes, una mujer que se ve en la necesidad de ir a trabajar a Nueva York, limpiando un restaurante, para conseguir el dinero suficiente para la operación que su hijo enfermo necesita. En tales circunstancias Lourdes ahorra todo el dinero que gana, monedas que barre incluidas, para mandarlo a su madre y poder operar a su hijo lo antes posible.
Si la situación es ya penosa, el vivir en un entorno abiertamente hostil, con una jefa que dan ganas de reventarla la cabeza y unos neoyorkinos que decir que están salidos perdidos es quedarse corto, no mejora para nada el día a día de Lourdes, que va bajando por una espiral de desesperación, soledad y angustia que vemos en su día a día, en su rutina y en las situaciones que le ocurren.
No puedo contar nada mas, ni quiero. El trailer es suficientemente bueno como para no descubrir nada a priori y a mi me sorprendió suficientemente la película anoche porque no sabia exactamente por donde iban a ir los tiros. No voy a negar que hay ciertos trucos trileros para distraerte de donde anda la bolita exactamente, pero es una película que mejora en su tramo final y deja un buen sabor de boca final.
Pero hay que tener el día. Es una película lenta en su arranque, de mostrar la rutina de Lourdes y de ir metiéndonos en una incomodidad constante. Otra cosa es que lo consiga o no realmente. Es muy fina la línea entre crear un poso de tensión a fuego lento y caer en aburrir al personal. Yo lamentablemente, reconozco que me aburrí durante un buen tramo de película y tener a un tipo ruidoso, onomatopeyico, gafapasta, maleducado y sin zapatos aireando en alto su pinrel a escasos centímetros de la cabeza de la pobre chica que tenia delante, no ayudó a la experiencia. Es lo malo del hipster bilbaino, que además de mamarracho, es atrevido.
En definitiva, película sencilla, echa con 4 dólares mal contados (700.000 $) y con una Marta Molins que se la carga a la espalda y hace un trabajo mas que notable. Ella es la película, y por ese lado no hay absolutamente nada que reprochar. Una vez terminada la película, tuvieron a bien tanto protagonista como director contestar a las preguntas del publico, y hubo de todo, desde preguntas de planos, opresiones y demás tiradas de largo a preguntas mas normales y simpáticas. Yo estaba muy escorado y no quise hacer darse un paseillo a la chica del micro, pero me quede con las ganas de que me justificaran cierta escena en la que la prota vomita sangre y se saca una muela.
Os dejo la programación del FANT18 que empezará el viernes 4 de mayo y al final de la entrada encontrareis el enlace al programa de mano en pdf y a al catalogo completo del festival.
Ya de paso como casi todas las películas de la sección oficial ya han sido reseñadas aquí, algunas hace bastante tiempo, os pondré la lista de películas a competición con los trailers de las que no he visto, y las reseñas de las ya vistas, por si os sirven de algo a la hora de planearos las sesiones.
La competición me parece muy floja y un paso atrás importante con respecto, ya no solo a otros festivales de nuestro entorno como la semana de Donosti, sino incluso con respecto a la programación del año pasado. Nada de cine asiático, películas en su mayoría ya vistas hace tiempo y rebotadas de otros festivales y prácticamente la única novedad apetecible que hay que es Devoured.
Será la crisis, pero lo mas destacable es una propuesta comercial externa como la phenomena experience de El Resplandor + Evil Dead 2 y la exposición de carteles de cine hecho con clicks. En dos años hemos pasado de tener Moon y I Saw the Devil a esta programación que me parece, y no es cosa mía que tenga un mal dia, muy muy pobre. Cada vez mas para cualquier festival de cine ya sea general o de genero, tenemos que recurrir a Donosti, porque encontrar en un festival en vez novedades festivaleras, películas que hace meses que has visto en tu casa o que están a la venta en bluray, en el mejor de los casos o que ni siquiera te han interesado ni para bajarlas (como Bellflower o Fase 7), me parece una mala presentación de opciones.
Dentro del FANT 18 (Festival de cine fantástico de Bilbao), que comienza el proximo 4 de mayo, se proyectará una sesión de la Phenomena Experience que lleva ya algún tiempo proyectado sesiones doble de películas ochenteras y setenteras con bastante éxito en el cine Urgell de Barcelona y alguna sesión esporádica en Madrid. Esta vez el evento tendrá lugar en los Golem Alhóndiga y el programa doble elegido sera el de “El Resplandor” de Kubrick + “Posesión Infernal II” de Sam Raimi. La sesión doble será el jueves 10 de mayo a partir de de las 19:45 y las entradas estarán a la venta desde mañana miércoles 4 de abril a 8€ en generaltickets y los cajeros bbk.
Por el momento no hay programación oficial del festival hasta el día 17, pero ya se ha cerrado el plazo de recepción de películas y cortos y se sabe que los días 8 y 9 de mayo a las 17:30 se proyectaran, dentro de la sección “FANT al rescate”, dos películas españolas, “La llamada” (1965) de Javier Setó y “La semana del asesino” (1972) de Eloy de la Iglesia. En cuanto tenga el programa oficial publicaré el post de todos los años con los trailers y comentarios de las películas.
En mes y medio, del 4 al 11 de Mayo, arranca la edición número 18 del Festival de cine fantástico de Bilbao, el FANT y ya hoy se ha mostrado el cartel oficial de esta edición, junto con algunos detalles del propio festival. Todavía no hay programación oficial, pero al menos sabemos ya que como dicen los mayas que nos queda un telediario, el FANT programará un ciclo especial de cine apocalíptico con el pase de cortometrajes de la temática, junto con 3 largometrajes. La primera adaptación del Soy Leyendade Matheson “The Last Man on Earth” con el gran Vincent Price, la adaptación de la novela de Cormack McCarthy “The Road” y el truñaco del vendemotos Shyamalan “El Incidente”. Según se vaya teniendo mas información al respecto, la tendréis aquí, como cada año.
